El realismo es un movimiento que apareció en Francia en 1848, y que se extendió hasta 1880. Refleja la realidad histórica y no tiene ningún objeto que sea de tema mitológico, religioso o alegórico. Tiene un gran detalle que es lo que lo hace diferente del romanticismo y tiene un sentido naturalista o fotográfico.
Su meta no es la belleza, sino más bien la verdad, el conocimiento de la realidad
El realismo defiende la contemporaneidad frente a la historicidad: existe la absoluta necesidad de ser de su tiempo. Como parte de lo mismo, da gran importancia a la pura coincidencia de que algo suceda, como un encuentro entre amigos, por ejemplo, y que por esa simple cualidad amerita ser representado: no hay temas mejores ni peores, todo es digno de pintura.
Pero a fuerza de insistir en que todo era igual de importante, nada pareció importante; en busca del ahora y ya, se alcanzó la impresión fugitiva del instante.
El realismo pone fin a la pintura concebida como relato figurado; se pierde el sentido narrativo, no se explica nada, porque "la vida misma no se compone de sucesos argumentados".
Quienes mejor manifiestan este cambio son los paisajistas de la Escuela de Barbizón, que a través del paisaje transmitieron la conquista de la realidad. La escuela fue creada por Rousseau y la integraron un grupo de artistas que se propusieron construir un tipo de pintura diferente. Realizaron un estudio objetivo y directo de la naturaleza plasmando los sentimientos que ésta les despertaba. A ellos les debemos el inicio de la práctica de pintor al aire libre, pues tomaban sus apuntes directamente de la naturaleza y luego ejecutaban sus obras definitivas en el estudio.
Jean François Millet (1841-1875), hijo de campesinos pobres, fue uno de los máximos representantes de la Escuela de Barbizón. Se distinguió como paisajista, pero en sus paisajes no olvida nunca a los campesinos, humildes, cabizbajos, pesimistas y redimidos por el trabajo. Es el mejor intérprete de la vida campesina y del hambre y la miseria que éste trae consigo. Contempló de cerca la situación en la que vivía, pero no la denunció en sus pinturas, sino que la representó tal y como era, plasmó la realidad. Sus obras más características son Los Gavilladores, El Ángelus, Los canteros, La costurera, La colada y Las espigadoras.
Las pinturas de Gustave Courbet (1819-1877) suscitaron enormes polémicas por su selección de temas vulgares como Un entierro en Ornans (1849) y por sus ideas pragmáticas sobre el arte. Ornans es su pueblo natal. Este entierro es una de las obras en las que más claramente aparece una manera nueva de ver la realidad. El tema se podía haber tratado solemnemente, pero lo hace de forma peculiar, es un cuadro desolador. Se trata de un entierro en un pueblo al que asisten los aldeanos y el clero y apenas hay diferencias entre ellos, en un intento de hacer crítica. Al contrario que en los cuadros que representan entierros y en los que está presente lo religioso invocando el más allá, aquí todo es deprimente, no se espera ni se cree nada.
Si Millet se muestra conformista con la realidad que le toca vivir, Honoré Daumier (1808-1879) se muestra crítico y satírico. Se fija en la sociedad y en determinados grupos sociales, poniéndose al lado de los desfavorecidos. Algunos de sus temas evocan el mundo de la marginación como Los presos y Los mendigos. En El vagón de tercera clase reivindica la dura vida de las clases populares en las grandes ciudades. La ternura que despiertan los personajes en el espectador contrasta con la sofisticación industrial del tren.
El corto periodo romántico en escultura responde a encargos oficiales para embellecer edificios o erigir monumentos conmemorativos. A diferencia de lo que sucede en pintura, se caracteriza por la falta de carácter y la desorientación. Es una época de transición, que alterna elementos clasicistas con otros criterios que desembocarán en un nuevo realismo.
Francia
Durante el siglo XIX Paris, se convierte en la capital artística. En Francia tienen gran protagonismo los salones de exposiciones porque en ellos se mide el grado de aceptación de los artistas. Estos se esforzaban en presentar obras de gran calidad que sorprenderán al público.
La escultura francesa no alcanza la importancia de la pintura, ni por la cantidad de obras producidas, ni por el número de figuras significativas. La escultura románica tiene un desarrollo posterior a la pintura, sus temas son narrativos y comparte con la pintura la expresión de las pasiones humanas de forma agitada, perdiendo las figuras de quietud y mesura.
El material más utilizado es el bronce, pues ofrece más posibilidades de modelado que el mármol, aunque se utiliza también otros materiales como el hierro fundido y el cinc. En la década de los años treinta se aplica el descubrimiento de la electrolisis, que permite dar a la figura apariencia de solidez metálica aunque se haya elaborado en material más económico.
Mayores exponentes de la escultura románica:
FRANCOIS RUDE (1784-1855)
THEODORE GERICAULT (1791-1875)
Sus esculturas muestran los mismos arrebatos, apasionados y violentos. En 1829 realiza la ninfa y sátiro en piedra. La ninfa muestra una resignación ante el sátiro que se inclina sobre ella, esta obra supone una expresión romántica muy adelantada en su tiempo.
ANTOINE LOUIS BARYE (1796-1824)
Es conocido por ser un escultor de temática animalista, haciendo representaciones muy realistas de fieras en los que se distinguen movimientos muy violentos de caza o de lucha.
AUGUSTE NICOLAS CAIN (1821-1894)
FRANCISQUE-JOSEPH DURET (1804-1865)
Expresa la alegría popular.
JEAN BAPTISTE CARPEAUX (1827-1875)
ITALIA
En este país es muy importante la influencia del clasicismo elegante de Antonio Canova, que representa valores supremos con continuas alusiones a la mitología griega, su influencia se alarga a todo el siglo y a todo el ámbito artístico. También desarrolla un estilo caracterizado por llevar a la escultura ideas abstractas y universales, pero con la aportación de emociones y sentimientos.
ANTONIO CANOVA (1757-1822)
LORENZO BARTOLINI (1777-1850)
GEOVANNI DUPRE (1817-1882)
ALEMANIA
En Alemania los centros artísticos son múltiples porque se trata de un conjunto de Estados a cuyo frente están los poderosos príncipes alemanes, mecenas del arte.
Johann Gottfried Schadow (1764-1850)
Christian Daniel Rauch (1777-1857)
Monumento ecuestre a Federico II de Prusia
Ernst Rietschel (1804-1861)
Realiza monumentos de los grandes personajes alemanes. Se trata de retratos en los que desarrolla un gran realismo acompañado de expresión psicológica y espiritual.
Rudolf Siemering (1835-1905)
Elementos carentes de personalidad. Intentaron buscar un naturalismo extremo pero sus esculturas, la mayoría de las veces no son sino meras imitaciones de la realidad.
Max Klinger (1857-1920)
En sus esculturas utiliza mármoles, bronce y marfil, persigue el refinamiento y la elegancia con gran dosis de ostentación y fuerte carga espiritual.
Bélgica
Constantin Meunier (1831-1904)
Inicia su carrera como pintor en una zona minera que le pone en contacto con las duras condiciones de vida de los trabajadores, esta situación le inspira el realismo de sus esculturas.
Austria
Franz Anton von Zauner (1746-1822)
En sus obras muestra una sencillez que contrasta con la solemnidad monumental de sus contemporáneos.
La escultura monumental es tan uniforme que solo llama la atención cuando los artistas manifiestan ciertos rasgos de expresividad con los que relacionan sus esculturas con la sensibilidad romántica
Anton Dominik von Fernkorn (1813-1878)
Reino Unido
Francis Chantrey (1781-1841)
Realiza una tumba. Presenta rasgos románticos al utilizar modelo del natural a los que modela añadiéndole sentimientos.
Las niñas dormidas
Mathew Cotes Wyatt (1777-1862)
Joseph Nollekense (1737-1823)
Venus
España
La escultura española no ofrece ninguna novedad al panorama internacional.
José Álvarez Cubero (1768-1827)
La defensa de Zaragoza
Antonio Sola (1787-1861)
Trata de convertir una situación concreta en una idea universal, pero sin embargo emana ciertos sentimientos de romanticismo.
José Gragera (1818-1897)
Retrato psicológico que muestra preocupación y nos deja ver la elegancia británica del político.
José tomas
Mariano Benlliure (1862-1947)
Esculpió temas relacionados con la fiesta de los toros y con el baile de Andalucía.
Estados unidos
Hiram Powers (1805-1873)
Dentro de los cánones clásicos pero con connotaciones románticas y en la que la técnica en el tratamiento de los materiales es de gran calidad.
Daniel Chester Frensh (1850-1931)
Escultor de monumentos conmemorativos.
Auguste Bartholdi (1834-1904)
Es un importante escultor de monumentos públicos, realiza una de las estatuas más famosas del mundo, la libertad guiando al mundo.
Aqui algunas muestras de el intento de realizar el estilo puntillista en poco tiempo:).....
se utilizaron plumones, colores acurelables, acuarelas, tinta china, lápiz, tempera, y tiza pastel.
disfrutenlo!!!!!!!!
1º- Gallito de las Rocas - PERÚ
2º-paisaje de San Ramón- Chanchamayo- PERÚ
3º-Alpaca- PERÚ
4º-Planta Bastón del Rey
POR: ILÚ
El puntillismo es una corriente pictórica, posterior al impresionismo; se dio por primera vez en 1884, encabezado por el pintor Neo-Impresionista Georges Seurat y contando con Paul Signac entre sus más fieles seguidores tales como Henri-Edmond Cross y Vlaho Bukovac.
El puntillismo o divisionismo, así llamado porque plantea la elaboración de los cuadros a base de la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (casi puntos) de color puro, dejando al sentido de la vista del espectador la combinación de esos colores. Hay aquí una influencia evidente de las aportaciones que, desde el campo de la Física, se habían efectuado sobre la naturaleza del color.
El puntillismo o divisionismo, así llamado porque plantea la elaboración de los cuadros a base de la yuxtaposición de pequeñas pinceladas (casi puntos) de color puro, dejando al sentido de la vista del espectador la combinación de esos colores. Hay aquí una influencia evidente de las aportaciones que, desde el campo de la Física, se habían efectuado sobre la naturaleza del color.
En la octava exposición del impresionista de 1886, se dio la primera alternativa a la crisis de los lenguajes. El cambio de Impresionismo a Puntillismo se debió a las aportaciones científicas y teóricas. Félix Feneon ya habló de "Impresionismo Científico" y Chevreul aportó su obra escrita Libro sobre la complementaridad de los colores. Los estudiosos de estas cuestiones se multiplican, Charles Henry descifra el efecto de colores y líneas en el espectador en su Tratado sobre la estética científica.
Por tanto, puede considerarse al puntillismo como heredero del impresionismo (y en ese sentido puede calificársele como neoimpresionismo) o como una de las corrientes que, a partir de aquella tendencia, inicio el camino posterior en la historia de la pintura (y, desde esa perspectiva podríamos considerarlo como postimpresionista).
La Naturaleza hay que verla con los ojos de la mente. Hay que superar la concepción retiniana para incidir en una más conceptual. Este es el punto de partida para el arte abstracto posterior.
· Diferencias con respecto al Impresionismo:
· La imagen adquiere una entidad desconocida
- La obra parte del "plein air", pero a diferencia del Impresionismo se termina en el taller.
- Se recupera la división entre obra definitiva y boceto.
- Las figuras en el espacio adquieren monumentalidad y rigidez, lo que potencia la pérdida de la espontaneidad. Algunos han apuntado que esta rigidez podría recordar a la del primer quattro cento de Piero della Francesca.
- Hay una marcada tendencia a la esquematización de formas y a los volúmenes simplificados.
- Da la sensación de que la luz emana de los cuerpos. En el Impresionismo el procedimiento era a la inversa, ya que la luz era la que incidía sobre los cuerpos.
- Se establecen conexiones con el Simbolismo.
Representantes:
Georges Seurat (1859-1891)
·Una tarde de domingo en la isla de la Grande Jatte, 1886
•Poseuse de face, 1887, Estudio para «Las modelos», Museo de Orsay, París
•La Seine à la Grande-Jatte -1888- Museos reales de Bellas Artes de Bélgica, Bruselas
•El desfile del circo, 1888, MOMA, Nueva York
•Las modelos (Les Poseuses), 1888, M.º de Orsay, París
•La Manche à Gravelines -1890- MOMA de Indianápolis
•El chahut, 1890, K.-M., Otterloo
•L'Île de la Grande Jatte, fue vendida en mayo de 1999 por la suma de 32,78 millones de euros.
•La torre Eiffel
•Periferia
•El circo (Le Cirque), 1891, Museo de Orsay, París
Paul Signac(1863-1935)
"El palacio papal de Avignon" (1900). París.
OTROS PERSONAJES SON:
Pissarro, Henry Edmond Cross, aunque en ellos ya no puede hablarse de un Puntillismo puro, ya que se permiten pintar en comas o colocando las pinceladas en líneas paralelas, habiendo dado previamente una capa unificada de color.
Cada autor debe ser considerado como entidad independiente, ya que cada uno se ve influenciado por una o varias tendencias diferentes.
Cada autor debe ser considerado como entidad independiente, ya que cada uno se ve influenciado por una o varias tendencias diferentes.
A mediados del siglo 19 Japón habia vivido aproximadamente 200 años de aislamiento político bajo el régimen de los Shogunes (titulo japonés equivalente al de general), las potencias occidentales, en plena expansión colonial, estaban fuertemente interesadas en romper esta situación, lo cual las llevo a enviar flotas de guerra al país oriental para reforzar sus demandas de apertura y tratos comerciales, algo que hasta entonces solo habian gozado los holandeses.
La presión internacional dió sus frutos y esto permitió que Europa y Norteamerica tuvieran un renovado acceso al país asiático, entre las nuevas importaciones se hallaban diversas piezas de arte, las cuales anteriormente habian estado considerablemente restringidas.
En pocas decadas Francia, la cual sería la cuna del impresionismo, desarrollo un fuerte gusto por el arte de Japón, volviendose sumamente populares los trabajos japoneses de pintura conocidos como uyiko-e. Estos trabajos se caracterizaban por experimentar con los cambios atmosféricos, plasmar las transiciones de postura y demas efectos visuales que se estaban revelando gracias a la invención de la fotografía.
Este arte se volvió popular entre los artistas franceses que darian vida al impresionismo tales como Manet, Monet y Van Gogh, los cuales se volverian entusiastas de los trabajos orientales, los impresionistas pedirian a las modelos vestirse en kimonos, adornarian sus estudios con abanicos orientales, Monet llegaria al grado de tener un puente de diseño japonés sobre un estanque de su propiedad.
La apertura del bazar La porte Chinoise y la participacion de la cada vez mas moderna nación japonesa en las Exposiciones Universales vendrian a completar la influencia del arte de este pais en los impresionistas, incitandolos a buscar al igual que los los japoneses los instantes fugaces que dan los juegos de luces, color y movimiento que conforman el centro y afan de esta corriente artística, eventualmente sus obras mostrarían esta influencia de un modo claro, con motivos asiáticos rondando la composición y dandole un carácter exótico y profundo.
La presión internacional dió sus frutos y esto permitió que Europa y Norteamerica tuvieran un renovado acceso al país asiático, entre las nuevas importaciones se hallaban diversas piezas de arte, las cuales anteriormente habian estado considerablemente restringidas.
En pocas decadas Francia, la cual sería la cuna del impresionismo, desarrollo un fuerte gusto por el arte de Japón, volviendose sumamente populares los trabajos japoneses de pintura conocidos como uyiko-e. Estos trabajos se caracterizaban por experimentar con los cambios atmosféricos, plasmar las transiciones de postura y demas efectos visuales que se estaban revelando gracias a la invención de la fotografía.
El Barrio de los tintoreros de Kanda de Utagawa Hiroshige
Este arte se volvió popular entre los artistas franceses que darian vida al impresionismo tales como Manet, Monet y Van Gogh, los cuales se volverian entusiastas de los trabajos orientales, los impresionistas pedirian a las modelos vestirse en kimonos, adornarian sus estudios con abanicos orientales, Monet llegaria al grado de tener un puente de diseño japonés sobre un estanque de su propiedad.
La apertura del bazar La porte Chinoise y la participacion de la cada vez mas moderna nación japonesa en las Exposiciones Universales vendrian a completar la influencia del arte de este pais en los impresionistas, incitandolos a buscar al igual que los los japoneses los instantes fugaces que dan los juegos de luces, color y movimiento que conforman el centro y afan de esta corriente artística, eventualmente sus obras mostrarían esta influencia de un modo claro, con motivos asiáticos rondando la composición y dandole un carácter exótico y profundo.
Retrato de Père Tenguy de Van Gogh
(París, 1832 - id., 1883) Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.
Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos entabló relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras, que merecieron, entre otras, la cálida acogida del crítico y escritor Téophile Gautier.
En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática –muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea– como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.
Ese mismo año Édouard Manet contrajo matrimonio con la holandesa Suzanne Leenhoff, con quien había tenido un hijo ilegítimo poco antes. En 1865 volvió a escandalizar con la obra Olympia, en la que repitió el tema del desnudo femenino y aumentó aún más la intensidad de la luz ambiental, al tiempo que diluía el contorno de figuras y objetos hasta lograr imágenes prácticamente bidimensionales. Denegada su inclusión en la exhibición pictórica que se realizó con motivo de la Exposición Universal de 1867, improvisó una exposición callejera de varias de sus obras más recientes que fue recibida con indiferencia.
En 1868, el joven novelista Émile Zola escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido. Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de 1870-1871, en la que Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista. Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con Claude Monet, aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.
En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática, para otorgar el protagonismo de sus pinturas a prostitutas y coquettes sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la luz. Por último, Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel. Paralelamente, su salud experimentó un creciente deterioro a causa de una enfermedad de origen infeccioso originada en su pierna izquierda.
A pesar de ello, en 1882 participó en una importante exhibición de arte francés realizada en Londres, para cuya ocasión presentó Bar del Folies-Bergère, la última de sus grandes composiciones. Al año siguiente se le declaró la gangrena en la pierna enferma y tuvo que ser amputada, operación de la cual no pudo recuperarse y que le acarrearía la muerte poco después. La exhibición póstuma de sus obras, celebrada en enero de 1884, marcó el nacimiento de un creciente reconocimiento de su talla como artista, al que la historia ha concedido el apelativo de padre del impresionismo
Obras
• La música en las Tullerías (La Musique aux Tuileries ), 1862, 76 x 118 cm, National Gallery (Londres)• Olympia, 1863, 130,5 x 190 cm, Museo de Orsay (París)
• Desayuno sobre la hierba (Le Déjeuner sur l'herbe), 1863, 208 x 264,5 cm, Museo de Orsay (Paris). También conocida por Almuerzo campestre
• La lectura (La lecture), 1865-1873, 60,5 x 73,5 cm, Museo de Orsay (París)
• El pífano (Le Joueur de fifre), 1866, 161 x 97 cm, Museo de Orsay (París)
• La ejecución del emperador Maximiliano (L'Exécution de Maximilien), 1868, 252 x 305 cm, Städtische Kunsthalle (Mannheim)
• Retrato de Émile Zola (Portrait d'Émile Zola) 1868, 146 x 114 cm, Museo de Orsay (París)
• El almuerzo 1868, 118 x 154 cm, Neue Pinakothek, (Múnich)
• El balcón hacia 1868, 170 x 124,5 cm, Museo de Orsay, (París)
• Monet en su barca (Monet sur son bateau) 1874, 50 x 64 cm, Neue Pinakothek, (Múnich)
• Argenteuil 1874, 149 x 115 cm, Museo de Bellas Artes (Tournai)
• El bar del Folies Bergère (Un bar aux Folies Bergère) 1882, 96 x 130 cm, Courtauld Institute (Londres)
• Claveles y clemátides en un jarro de cristal 1882, 55 × 34 cm, Museo de Orsay (París)
• Amazona de frente, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
• El espárragoMuseo de Orsay (París)
El Bebedor Ausente (1859)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 103 x 178 cm.
Localización: Carlsberg Glypotek.
CopenhagueAutor: Edouard Manet
La merienda campestre (1863)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 214 x 269 cm.
Localización: Museo de Orsay. París
Olympia (1863)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 130.5 x 190 cm.
Localización: Museo de Orsay. París
Almuerzo en el Estudio (1869)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 118.3 x 154.0 cm.
Localización: Neue Pinakothek. Munich
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Madame Manet en un sofá azul (1874)
Descripción: Pastel. 50,5 x 61 cm.
Localización: Museo de Orsay. París
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Andando en Velero (1874)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 97.2 x 130.2 cm.
Localización: Metropolitan Museum of Art. Nueva York
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Calle Mosnier con Banderas (1878)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 65.4 x 80.7 cm.
Localización: The J. Paul Getty Trust. Los Angeles
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El bar del Folies Bergere (1882)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 96 x 130 cm.
Localización: Courtauld Institute Galleries. Londres
Es el movimiento que marcó toda la pintura del siglo XIX: preocupación por la luz, ya que puede determinar la percepción de la apariencia visual: la realidad no es tangible sino que solo es percepción para la mirada desde condiciones físicas muy variables.
Se caracteriza por el violento contraste de la luz con las zonas de sombra, que eran manchas de color yuxtapuestas y sin gradaciones donde no recurrían a correcciones. La importancia de la luz creaba la perspectiva, característica propia de los impresionistas.
Todo inició con la exposición colectiva de 1874 donde participaban: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Auguste Renior y Edgar Degas. Sus obras iban muy en contra de lo que se veían siempre en las pinturas lo que evidentemente irritó a los críticos en especial a Louis Leroy, que sarcásticamente dijo: “El papel pintado en su estado embrionario está más acabado”. Estos artistas siguiendo sus ideas y su lucha por conseguir naturalismo en el arte colocaron como protagonista de sus obras: la luz y sus efectos cambiantes. Pintaban al aire libre, paisajes, vistas urbanas, bailes populares, vistas fluviales y la necesidad de captar lo inmediato, los efectos de luz y atmosféricos los llevó a usar una técnica de ejecución rápida: pinceladas sueltas y vigorosas, algunas veces cargadas de pasta y otros diluidos en óleo. La gama cromática son más suaves, obviamente luminosas y sombras de color, ya no oscuras, los tonos complementarios y así desaparecen los contrastes de claroscuros, la primacía del dibujo y línea.
Renoir, con Le Moulin de la Galette
