Debido a su situación económica no pudo ejercer sus estudios artísticos por lo que tuvo que trabajar otras labores. En 1768 fue trasladado a Venecia, razón por el cual comenzó sus estudios como escultor bajo tutoría de Coballa, allí no le faltó ningún estudio ya que alcanzó rápidamente fama como tal.
Cuando tenía 16 años su maestro falleció y le dejó como meta realizar dos estatuas a tamaño real (Orfeo y Eurídice). Fue una dura tarea para el joven escultor pero no se desanimó realizando una gran obra llena de candor, espontaneidad en su expresión y armonía de su línea, terminada como una de sus grandes obras maestras. Posteriormente tuvo exposiciones en 1779 lo que lo llevaba a perfeccionar sus técnicas decidiendo entonces instalarse en Roma.
Se dedicó cuatro años a la elaboración de un monumento funerario dedicado a la Basílica de San Pedro, para el Papa Clemente XIII encargado por el príncipe Rezzónico y sus dos hermanos. La obra fue tan magnífica debido a los perfectos detalles minuciosos, reviviendo la mirada en cada estatua, dándoles vida que para la inauguración de tal monumento fue un triunfo para Antonio Canova.
Luego tuvo que hacer un retorno a Venecia por corto tiempo ya que no se encontraba bien de salud debido a la ardua dedicación del monumento, a su regreso realizó un monumento destinado al palacio de Versalles a pedido del almirante Ángel Emo.
Por encargo del duque Caetani realizó el monumento Hércules y Lichas, dándole una gran musculatura a Hércules, dando una fuerza que no buscaba el artista.
Cuando fue ya más famoso y con grandes fortunas fue llamado por Napoleón Bonaparte a París para llevar a cabo el busto del Gran Corso. Y casi al momento le encargaron el Mausoleo de Victorio Alfieri. Luego recibió muchos pedidos realizando varios viajes, fue entonces encargado para realizar los bustos de los miembros de la familia Bonaparte, como el de Paulina Bonaparte con el aspecto de Venus victoriosa.
Cuando desterraron a Napoleón, Canova fue enviado a París por el Papa para que devolviese los monumentos quitados a Italia. Ya en su patria esculpió otras obras notables: Las tres Gracias, el monumento de La Guerra y la Paz, y la estatua de Washington encargada por el Senado de Carolina (Estados Unidos).
El 21 de septiembre de 1821 regresó a Pessagno, su ciudad natal, para reponerse de salud, aun así siguió trabajando falleciendo en Venecia al año siguiente.
Obras
• Orfeo y Eurídice (1773)
• Grupo escultórico de Dédalo e Ícaro (1779)
• Apolo coronándose a sí mismo (1781)
• Teseo vencedor del Minotauro (1783)
• La Meliceci del Moiete (1782)
• Tumba del papa Clemente XIV (1784)
• Tumba del papa Clemente XIII (1792)
• Psique reanimada por el beso del amor (1793), París, Museo del Louvre
• Monumento fúnebre de María Cristina de Austria (1798-1805)
• Estatua de Esculapio
• Perseo con la cabeza de Medusa (1801)
• Monumento fúnebre de Vittorio Alfieri (1804-1810)
• Busto de Napoleón Bonaparte
• Napoleón como Marte Pacificador o Napoleón divinizado (1802-1806), Londres, Apsley House; copia en bronce en la Pinacoteca de Brera, Milán, 1811.
• Paulina Bonaparte (1807), Roma, Galería Borghese
• Hércules y Licas (1815)
• Las tres Gracias (1816), versiones en San Petersburgo (Ermitage) y Londres (Victoria and Albert Museum)
• Hebe (1816), Forlì [1]
• Venus y Adonis
Paulina Bonaparte
Las tres Gracias
El neoclásico es una corriente artística que nace en el siglo XVIII y, al igual que el renacimiento, pone de nuevo en moda las características propias de la antigüedad clásica, este arte refleja el siglo de la Ilustración, en donde se inicia la entrada definitiva en la historia contemporanea con la Revolución Francesa y la Independencia Estadounidense.
Esta corriente tiene origen en el siglo 18, 19 y finales del 20; es conocido como el Siglo de las luces porque se rechaza totalmente todo aquello que le sea impuesto y sólo admite lo que le llega a través de la luz de su razón, netamente una corriente de ideas.
El carácter científico de esta época se ve reflejado en la precisión geométrica de la arquitectura, la cual rompe con la tendencia naturalista de las corrientes anteriores y apuesta por formas de carácter geométrico, poniendo en evidencia un gran uso del plano aureal y las tradiciones arquitectónicas de la Grecia clásica.
Características de las representaciones artísticas:
Se sintetiza la tradición en cada obra en arquitectura y la pintura.
· Se mezclaban hechos históricos con fantasiosos.
· La presencia de personajes míticos en la pintura y escultura.
· Se improvisa, la expresión del yo del artista y la ciega inspiración no son virtudes neoclásicas.
· Profunda revisión de modelos sociales, económicos, políticos que se vive en Europa.
· Se da un plano cultural y artístico, generara la pintura moderna contemporánea.
· Temas como la sensualidad.
Representaban tal cual es la escena, libre, por eso va a adquirir un valor social y moral, un medio por el cual se educa.
Se traban el tema del dibujo con gran luminosidad, personajes en el centro el cuadro, en tinieblas, el color no tiene un valor estético por sí mismo.
Se va a desarrollar el cuadro histórico, mitos griegos germanos.
No desarrollan técnicas.
A
Características escultóricas:
La concepción de belleza ligada a la proporción o la relación entre partes, se proyecta en que las formas corporales de las figuras son tratadas con volumen escultórico y con claridad; cuerpos lleno de fuerza, con extremidades vigorosas y poderosamente hechas, valorando el contorno en la figura esculpida y el sombreado; el juego entre luces y sombras, la ligereza y la flexibilidad del contorno en la pintura. Además, el enfatizar la expresión a través del ambiente, de la vestimenta y de los accesorios. El cuerpo del hombre debía estar bien formado y de forma cuadrada, los músculos bien pronunciados para darle realismo.
Máximos representantes:
· PINTURA: Louis David ( toma los elementos más importantes del pasado)
· ESCULTURA: Antonio Canova
· PINTURA: Jean Dominique ingres (pinturas destacan lo femenino, tema carácter oriental)
· ESCULTURA: Bertel Thordvaldsen (la belleza al estilo griego, temas religiosos)
· ILUSTRACION: Antonio Rafael Sengs (énfasis en el panorama español, habilidad retratos).
· FILOSOFIA: Johann Joachim Winckelmann.
· ARQUITECTURA:Giovanni Battista Piranesi
- Rococó es un movimiento artístico que nace en Francia tiene origen en el año (1715-1746) aprox.
- Rococó deriva de la palabra “Rocoille” en francés, se le denominaba a los jardines de aquella época.
- El arte rococó se desarrolla durante los reinados de Luis XV y Luis XVI.
Es un arte mundano sin conexión con la religión con excepciones, estilo pictórico, los pintores retratan a las personas de la alta sociedad en situaciones de la vida cotidiana, el amor; no simboliza nada espiritual, solo superficial, por eso es llamado arte frívolo exclusivo y aristócrata.
El rococó en la pintura se caracteriza por:
- La opulencia
- Elegancia, lo refinado
- Intimidad, sensualidad
- Empleo de colores vivos medio pasteles.
- Colores luminosos
- Movimiento netamente decorativo
- Mitos de amor representaciones de Cupido
- Escenas inspiradas en fiestas
- Escenas alegres, mezclan lo ficticio y real.
- Paisajes naturales (jardines)
Arquitectura
Características:
- Basada en temas arabescos (decoración)
- Curvas sinuosas y simetría en sus construcciones
- Edificaciones de forma circular y centrales.
- Los palacios están rodeado de inmensos jardines adornados
- Daban más importancia a la ornamentación de los jardines.
- Ventanas de gran tamaño, arqueadas en la parte superior que tiene un propósito mezclar lo interior con el ambiente externo, por eso tenían la apariencia de mamparas.
Artistas más representativos y sus obras:
· Stuttgart - Palacio solitutte ( arquitectura típico rococó)
· François cuvillies arquitecto y diseñador bávaro
· Boucher : mademoiselle louise o Murphy 1751
- · Jean Jacques Rousseau (mundo infantil)
- · Pregonard - escenas amorosas
· Giovanni batista muralista estilo rococo- agar e ismael nel deserto 1732
· Tipolo - la apoteosis del almirante vittor pisani 1761-1762
·
El barroco tiene un estilo artistico europeo que se desarrollo entre los siglos XVII y XVIII. Nacio en Italia y se extendio por toda Euripa. Fue precedida por la renacentista y el manierismo. Las características más importantes fueron el uso de curvas, eclipse y espirales. Fueron muchos los temas que usaron en esta arquitectura:
Urbanismo: Las transformaciones urbanas de Roma fueron iniciadas en 1585 por el papa Sixto V. Se conectaron dos edificios religiosos principales de la cuidad por medio de grandes ejes varios rectilíneos. Los obeliscos egipcios y las altas cúpulas fueron centros focales del panorama urbano, mientras que en París los nodos del sistema vario se definieron por medio de plazas simétricas, en cuyo centro se colocaba la estatua del soberano. En líneas generales, la plaza barroca cedió su función tradicional cívica y publica para convertirse en un medio de exaltación de la ideología religiosa o política, como en el caso de las plazas reales francesas (la Plaza de los Vosgos o la Plaza Vendôme, por ejemplo) o de la Plaza de San Pedro de Roma.
Plaza de San Pedro de Roma, ejemplo de plaza barroca.
Iglesias: El punto de inicio entre las iglesias fue la iglesia del Gesú de Roma, construida a partir de 1568, que representa una arquitectura renacentista, manierista y barroca. La planta longitudinal permitía acoger a un gran número de fieles, mientras que la planta de cruz latina suponía un retorno del concilio de Trento.
Fachada de Il Gesù, considerada la primera iglesia
con elementos del Barroco.
Palacios: En la arquitectura civil existieron dos tipos de construcciones nobles. Uno fue el palacio, que permanecieron fieles a la tipologia del renacentismo, y el otro fue la villa del campo, en este campo los franceses fueron uno de los máximos desarrolladores del género.
Palacio del Luxemburgo en París.
El Palacio de Versalles
El periodo barroco produjo en España lo que los estudiosos han denominado el siglo de oro de la Literatura Española. Como muchos reordaran este es un periodo muy tratado dentro del estudio del lenguaje español, introduciendo su conocimiento desde la educación primaria en la mayoria de paises de habla hispana.
Es en este periodo donde surgen muchos de los nombre mas reconocidos de la literatura española (incluyendo la escritura de guiones de teatro), tales como Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Calderón de la Barca y, quizás el mas universal de todos, Miguel de Cervantez.
Paradojicamente es una época donde en España se inicia un periodo de decadencia que duraría casi 400 años con el surgimiento del actual estado español, hallar las respuestas a esta paradoja no resulta tan dificil una vez que conocemos ciertas caracteristicas del periodo:
El desengaño: España ha dejado de ser una potencia de primer orden, sus riquezas han sido dilapidadas en guerras y la adquisición de bienes de lujo, el oro de America, lejos de traer prosperidad, produce una monstruosa inflación que hunde en la miseria hasta a la propia monarquía, El Renacimiento resulta ser una realidad truncada para España.
El pesimismo: Se trata de una era oscura, en donde la antigua vitalidad del reino de los reyes católicos se ha visto perdida, el Renacimiento resulta no cumplir sus promesas de un mundo nuevo e ideal, peor aun, parece haber abierto una brecha en la moral tanto pública como particular que busca justificar los desmanes de la sociedad.
El paso desolador del tiempo: La idea de la mortalidad se acentúa en estos siglos, en un reino débil y sumido en la inestabilidad social, la muerte ronda diezmando a la población, caén los imperios, los reyes degeneran al grado de ser incapaces de gobernar.
Es en esta situación donde los autores se enfrentan a una realidad aterradora, pero como en tantos periodos de la historia humana, es en este momento turbulento en donde los hombre brillan con mas fuerza en medio de las tinieblas que lo rodean (asi sea como estrellas caidas que arden en su propio colapso), los representantes del barroco español crean obras que reflejan su propia realidad y emociones, en parte como una crítica estoica (tratando de salvar y ensalzar, siquiera subjetivamente, un sentido de moral que parece ya no existir), en parte como una muestra de supremo desdén ante las catastrofes que golpean a su nación (esbozando, quizas muchas veces literalmente, la terrible sonrisa de aquellos que saben que estan atrapados pero se niegan a rendirse) y en parte como un modo de evadir el propio sentido de derrota que agobia cada fibra de la estructura social hispana.
La literatura barroca española es en gran medida un reflejo de una lucha por la supervivencia espiritual, cultural y moral del pueblo hispano, rodeado de potencias mas fuertes, de cultura y religión distinta, que parecen haberse vuelto invencibles y que ahora disponen de campo libre para aplicar el mercantilismo en territorio español.
Seria pues en este conflicto cultural, social y económico en donde los españoles hallarian la inspiración para crear obras como Fuenteovejuna, La vida es sueño, El Lazarillo de Tormes y, quizas el mayor reflejo de la crisis espiritual de la época, Don Quijote de la Mancha.
Es en este periodo donde surgen muchos de los nombre mas reconocidos de la literatura española (incluyendo la escritura de guiones de teatro), tales como Lope de Vega, Francisco de Quevedo, Calderón de la Barca y, quizás el mas universal de todos, Miguel de Cervantez.
Paradojicamente es una época donde en España se inicia un periodo de decadencia que duraría casi 400 años con el surgimiento del actual estado español, hallar las respuestas a esta paradoja no resulta tan dificil una vez que conocemos ciertas caracteristicas del periodo:
El desengaño: España ha dejado de ser una potencia de primer orden, sus riquezas han sido dilapidadas en guerras y la adquisición de bienes de lujo, el oro de America, lejos de traer prosperidad, produce una monstruosa inflación que hunde en la miseria hasta a la propia monarquía, El Renacimiento resulta ser una realidad truncada para España.
El pesimismo: Se trata de una era oscura, en donde la antigua vitalidad del reino de los reyes católicos se ha visto perdida, el Renacimiento resulta no cumplir sus promesas de un mundo nuevo e ideal, peor aun, parece haber abierto una brecha en la moral tanto pública como particular que busca justificar los desmanes de la sociedad.
El paso desolador del tiempo: La idea de la mortalidad se acentúa en estos siglos, en un reino débil y sumido en la inestabilidad social, la muerte ronda diezmando a la población, caén los imperios, los reyes degeneran al grado de ser incapaces de gobernar.
Es en esta situación donde los autores se enfrentan a una realidad aterradora, pero como en tantos periodos de la historia humana, es en este momento turbulento en donde los hombre brillan con mas fuerza en medio de las tinieblas que lo rodean (asi sea como estrellas caidas que arden en su propio colapso), los representantes del barroco español crean obras que reflejan su propia realidad y emociones, en parte como una crítica estoica (tratando de salvar y ensalzar, siquiera subjetivamente, un sentido de moral que parece ya no existir), en parte como una muestra de supremo desdén ante las catastrofes que golpean a su nación (esbozando, quizas muchas veces literalmente, la terrible sonrisa de aquellos que saben que estan atrapados pero se niegan a rendirse) y en parte como un modo de evadir el propio sentido de derrota que agobia cada fibra de la estructura social hispana.
La literatura barroca española es en gran medida un reflejo de una lucha por la supervivencia espiritual, cultural y moral del pueblo hispano, rodeado de potencias mas fuertes, de cultura y religión distinta, que parecen haberse vuelto invencibles y que ahora disponen de campo libre para aplicar el mercantilismo en territorio español.
Seria pues en este conflicto cultural, social y económico en donde los españoles hallarian la inspiración para crear obras como Fuenteovejuna, La vida es sueño, El Lazarillo de Tormes y, quizas el mayor reflejo de la crisis espiritual de la época, Don Quijote de la Mancha.
Don Quijote y Sancho Panza
Contexto Histórico
Aproximadamente se da entre 1600 y 1750; época en la cual Europa atravesaba un momento político muy difícil como la afirmación de las nacionalidades, la separación de los países Bajos en la calvinista Holanda y la católica Flandes, algunos monarcas tomaron poder absoluto frente a las fórmulas parlamentarias holandesas, debido a la influencia de la iglesia Católica se dieron movimientos revolucionarios originándose una nueva ciencia y una religión propio del catolicismo: la Reforma protestante; y al mismo tiempo era enfrentado por la Contrarreforma Católica, similarmente las potencias europeas iniciaban el proceso de creación de los imperios coloniales que les daría el dominio del mundo durante cientos de años.
Reforma protestante
Arte Barroco
Caracterizado por la diversidad y riqueza en el panorama artístico a razón de la evolución artística y los críticos momentos que atravesaba a sociedad y política de las naciones europeas; ya sea en literatura, escritura, arquitectura, pintura, danza y música.
Proviene de la palabra portuguesa “barroco” que significa “perla de forma irregular” o “joya falsa” asignada por los seguidores de este movimiento posteriormente, para marcar la teatralidad, ilusionismo, artificio, la primacía de la sensación sobre la razón, la realidad; en sí, un arte donde la importancia se encontraba en a verosimilitud por encima de la realidad.
Nació entonces la creación de un clima piadoso y la reafirmación de los dogmas cuestionados por la Reforma, la Virgen, los santos, las grandes decoraciones sobre el triunfo de la fe católica tomando un dinamismo, sensualidad y un rico cromatismo para conmover los corazones de los fieles. Con esta difusión el movimiento artístico se convirtió en expresión del gusto burgués por la realidad cotidiana y en las cortes de las monarquías absolutas, en instrumento de persuasión y deslumbramiento. Por tanto se da la división entre el barroco de la burguesía protestante y el barroco de la Iglesia triunfal y de la Corte.
Iglesia de Sant’ Andrea al Quirimale de Roma obra de Bermini.
Características generales de la pintura
La principal cualidad de la pintura barroca es la realidad, el interés de representar al hombre y a la naturaleza tal como es, rompiendo con la tendencia previa vista en el renacimiento de buscar poses épicas y sobrehumanas.
El barroco busca la profundización psicológica y emocional a la hora de representar a un individuo o una historia.
A una percepción más perfecta del espacio en profundidad, todo lo cual requería una observación directa previa.
Hegemonía de la luz, se empleo de diferentes maneras, siendo una luz natural, real, correspondiente a un momento y lugar geográfico concreto.
LA PINTURA EN ITALIA
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Cena en Emaus,
1606, Pinacoteca Brera, Milan (Italia).
Michelangelo introdujo una profunda revolución en la pintura, se inserta en lo popular y en lo real. Plasma la realidad en toda idealización, también en temas religiosos.
Sus personajes se inspiran en sus contemporáneos, rechazando los ideales clásicos para acentuar el realismo, coloca a los personajes en el primer plano bajo una luz fuerte dejando entre sombras a los elementos esenciales. Cuida el repertorio de horizontales y verticales.
Técnicamente lo que hace con la luz se determina como Tenebrismo, donde la luz no solo ilumina sino que configura, y aporta gran dramatismo a la escena representada.
Michelangelo Merisi da Caravaggio,La muerte de la Virgen,
1605-1606, Paris (Francia).
Esta obra llama la atención por la composición. Se estructura a partir del rayo de luz que sale del ángulo superior izquierdo. Atraviesa en diagonal toda la tela e ilumina las cabezas de los apóstoles hasta llegar al cuerpo tendido de la virgen.
La cortina le da un sentido más dramático ya que recuerda al telón de un teatro.
Juega abiertamente con el claroscuro, es decir, el contraste de luces y de sombras que ilumina bruscamente lo que el artista desea y sume en la oscuridad lo que considera menos importante.
En el ámbito italiano también tiene importancia el clasicismo, pretende la búsqueda de una belleza ideal.
Por último, hay que destacar lo que se conoce como Barroco decorativo o de movimiento, es decir la decoración de bóvedas y muros. Se ponen de manifiesto el ilusionismo y la artificiosidad para conmover al espectador.
LA PINTURA EN FRANCIA
Representa a un barroco moderado o clasicista. Se inicia con temas de genero y religioso bajo un naturalismo, como fondos neutrales y una marcada iluminación que llega desde fuera de la composición. Luego evoluciona hasta llegar a concebir sus figuras reducidas a sus volúmenes simples, lo que lo aleja del naturalismo inicial, sobre ella experimenta los efectos claroscuristas. Hace desaparecer todo lo desagradable de la narración.
Lo que más destaca es el clasicismo.
Nicolas Poussin, Et in Arcadia ego o Los Pastores de Arcadia,
1640-1650, Paris (Francia).
Lo más significativo de estas obras son los paisajes históricos, modalidad del paisaje clásico que recoge con gran sensibilidad los escenarios naturales.
Unen la observación con la idealización, en los que se interesa por la belleza de la luz. Tienen una línea del horizonte bastante baja y recreando fundamentalmente los momentos del amanecer y del atardecer.
Nicolas Poussini, las cuatro estaciones(El Verano),
1660-1664, Museo del Louvre, Paris (Francia).
LA PINTURA EN HOLANDA
En Holanda la gran parte se define por su amplio imperio ultramarino. Su situación religiosa, donde triunfa el calvinismo, suscita en la sociedad una conciencia más ambiciosa, así desaparece el tema religioso.
El pintor Holandés le dará más atención a la historia de lo cotidiano, dominan el color y emplean técnicas en olio, que permite el desarrollo del detallismo.
Rembrandt Harmenszoon van Rijin,
La lección de anatomía del Dr. Nicholaes Tulp.
1632, La Haya( Pises Bajos).
Le da a todos los retratos las mismas dimensiones, por lo que los sitúa de manera piramidal. Esta lección se basa en un hecho real. En este cuadro, la luz que es irreal y artificiosa, procede de arriba y acentúa el contraste de la frialdad del cuerpo desnudo y la calidez de los rostros de los asistentes de la clase.
El claroscuro del pintor holandés, a diferencia del de Francia es que crea contornos nítidos de las figuras a partir de las partes iluminadas y las sombreadas. Utiliza el claroscuro para darle un significado tanto visual como espiritual.
La Anatomía de la Melancolía es un libro escrito por Robert Burton, clérigo inglés, y editada en pleno periodo barroco, en 1621, siguiendo las nuevas tendencias de esta época, se trata de un estudio científico y (enormemente) recargado en donde a modo de enciclopedia el autor intenta colocar todo el conocimiento hasta aquel punto acumulado con respecto a la depresión. El texto cuenta llego a contar en su tercera edición con 1500 páginas y 500,000 palabras reflejando en el terreno científico y literario de realizar trabajo enormes y recargados en donde se intenta abarcar la totalidad de un tema.
Críticos de periodos posteriores de la historia consideran que la obra es terriblemente densa y muy difícil de leer, basta con decir que el prefacio cuenta con 100 páginas para dar una idea de esta, a pesar de todo, tiene partes de gran calidad literaria y sus versiones resumidas son mas faciles de leer, incluso algunas secciones cómicas como lo demuestran titulos tales como "Cocodrilos, celosos" y "Músicos, locos" .
Con respecto al porque de la obra, el propio reverendo Burton reconoció de que se trata en gran medida a la propia depresión que sufrió durante toda su vida. En esto quizas podamos ver un reflejo de la actitud de la época del Barroco, en donde hay un vaivén entre la busqueda de lo grandioso y una especie de desilusión que se refleja en los conflictos de la época.
Es interesante notar, para concluir, de que otro escritor ingles que tambien padeció serias dolencias durante su vida tomo un pasaje de la obra como cita para uno de sus libros mas famosos, en efecto, H.G. Wells puso un parrafo de La Anatomia de la Melancolía a su vez tomado del astrónomo Kepler que refleja el nuevo sentimiento de duda del hombre frente al universo:
Críticos de periodos posteriores de la historia consideran que la obra es terriblemente densa y muy difícil de leer, basta con decir que el prefacio cuenta con 100 páginas para dar una idea de esta, a pesar de todo, tiene partes de gran calidad literaria y sus versiones resumidas son mas faciles de leer, incluso algunas secciones cómicas como lo demuestran titulos tales como "Cocodrilos, celosos" y "Músicos, locos" .
Primera página de la obra.
Con respecto al porque de la obra, el propio reverendo Burton reconoció de que se trata en gran medida a la propia depresión que sufrió durante toda su vida. En esto quizas podamos ver un reflejo de la actitud de la época del Barroco, en donde hay un vaivén entre la busqueda de lo grandioso y una especie de desilusión que se refleja en los conflictos de la época.
Es interesante notar, para concluir, de que otro escritor ingles que tambien padeció serias dolencias durante su vida tomo un pasaje de la obra como cita para uno de sus libros mas famosos, en efecto, H.G. Wells puso un parrafo de La Anatomia de la Melancolía a su vez tomado del astrónomo Kepler que refleja el nuevo sentimiento de duda del hombre frente al universo:
"Pero ¿Quién mora en estos mundos si estan habitados?...¿Somos nosotros o ellos los señores del universo?... Y ¿Por qué todas las cosas han de estar hechas para el hombre?"
