(París, 1832 - id., 1883) Pintor y grabador francés. Hijo de un importante funcionario del ministerio de Justicia, Édouard Manet fue un mediocre estudiante interesado únicamente en el dibujo. Ante la resistencia paterna a que iniciara una carrera artística, trató infructuosamente de ingresar en la Escuela Naval hasta que, tras un segundo intento fallido, su familia accedió a regañadientes a financiar sus estudios artísticos, que inició en 1850 en el taller del pintor clásico Thomas Couture.
Tras seis años de aprendizaje, Édouard Manet se estableció en un estudio propio. En esos primeros tiempos entabló relación con artistas y literatos como Henri Fantin-Latour, Edgar Degas y Charles Baudelaire. A principios de 1860 empezaron a ser reconocidas algunas de sus obras, que merecieron, entre otras, la cálida acogida del crítico y escritor Téophile Gautier.
En 1863, el Salón de Otoño le rechazó un lienzo que iba a resultar trascendental para la posterior evolución de la pintura: Almuerzo sobre la hierba, que fue doblemente criticado, tanto por su temática –muestra a una mujer desnuda flanqueada por dos jóvenes ataviados de forma contemporánea– como por la técnica empleada, revolucionaria lo mismo en el tratamiento de la perspectiva que en el de la representación del entorno natural, bañado en una luz fuerte y contrastada.
Ese mismo año Édouard Manet contrajo matrimonio con la holandesa Suzanne Leenhoff, con quien había tenido un hijo ilegítimo poco antes. En 1865 volvió a escandalizar con la obra Olympia, en la que repitió el tema del desnudo femenino y aumentó aún más la intensidad de la luz ambiental, al tiempo que diluía el contorno de figuras y objetos hasta lograr imágenes prácticamente bidimensionales. Denegada su inclusión en la exhibición pictórica que se realizó con motivo de la Exposición Universal de 1867, improvisó una exposición callejera de varias de sus obras más recientes que fue recibida con indiferencia.
En 1868, el joven novelista Émile Zola escribió una laudatoria recensión de su trabajo en la que identificaba a Manet con la figura romántica del artista incomprendido. Tras un breve lapso provocado por la guerra franco-prusiana de 1870-1871, en la que Manet combatió como oficial de la Guardia Nacional, el marchante Paul Durand-Ruel adquirió un número considerable de obras del fondo del artista. Mantuvo buenas relaciones con los jóvenes impresionistas, muy en especial con Claude Monet, aunque siempre se resistió a participar en las exposiciones independientes organizadas por éstos; prefería ofrecer sus obras al Salón y exponerlas en su propio estudio si eran rechazadas.
En su producción de finales de la década de 1870 acentuó el naturalismo de su temática, para otorgar el protagonismo de sus pinturas a prostitutas y coquettes sorprendidas bebiendo o seduciendo a sus jóvenes amantes, y al tratamiento expansivo de la luz. Por último, Manet abandonó su técnica tradicional, el óleo, para pasar al pastel. Paralelamente, su salud experimentó un creciente deterioro a causa de una enfermedad de origen infeccioso originada en su pierna izquierda.
A pesar de ello, en 1882 participó en una importante exhibición de arte francés realizada en Londres, para cuya ocasión presentó Bar del Folies-Bergère, la última de sus grandes composiciones. Al año siguiente se le declaró la gangrena en la pierna enferma y tuvo que ser amputada, operación de la cual no pudo recuperarse y que le acarrearía la muerte poco después. La exhibición póstuma de sus obras, celebrada en enero de 1884, marcó el nacimiento de un creciente reconocimiento de su talla como artista, al que la historia ha concedido el apelativo de padre del impresionismo
Obras
• La música en las Tullerías (La Musique aux Tuileries ), 1862, 76 x 118 cm, National Gallery (Londres)• Olympia, 1863, 130,5 x 190 cm, Museo de Orsay (París)
• Desayuno sobre la hierba (Le Déjeuner sur l'herbe), 1863, 208 x 264,5 cm, Museo de Orsay (Paris). También conocida por Almuerzo campestre
• La lectura (La lecture), 1865-1873, 60,5 x 73,5 cm, Museo de Orsay (París)
• El pífano (Le Joueur de fifre), 1866, 161 x 97 cm, Museo de Orsay (París)
• La ejecución del emperador Maximiliano (L'Exécution de Maximilien), 1868, 252 x 305 cm, Städtische Kunsthalle (Mannheim)
• Retrato de Émile Zola (Portrait d'Émile Zola) 1868, 146 x 114 cm, Museo de Orsay (París)
• El almuerzo 1868, 118 x 154 cm, Neue Pinakothek, (Múnich)
• El balcón hacia 1868, 170 x 124,5 cm, Museo de Orsay, (París)
• Monet en su barca (Monet sur son bateau) 1874, 50 x 64 cm, Neue Pinakothek, (Múnich)
• Argenteuil 1874, 149 x 115 cm, Museo de Bellas Artes (Tournai)
• El bar del Folies Bergère (Un bar aux Folies Bergère) 1882, 96 x 130 cm, Courtauld Institute (Londres)
• Claveles y clemátides en un jarro de cristal 1882, 55 × 34 cm, Museo de Orsay (París)
• Amazona de frente, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
• El espárragoMuseo de Orsay (París)
El Bebedor Ausente (1859)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 103 x 178 cm.
Localización: Carlsberg Glypotek.
CopenhagueAutor: Edouard Manet
La merienda campestre (1863)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 214 x 269 cm.
Localización: Museo de Orsay. París
Olympia (1863)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 130.5 x 190 cm.
Localización: Museo de Orsay. París
Almuerzo en el Estudio (1869)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 118.3 x 154.0 cm.
Localización: Neue Pinakothek. Munich
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Madame Manet en un sofá azul (1874)
Descripción: Pastel. 50,5 x 61 cm.
Localización: Museo de Orsay. París
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Andando en Velero (1874)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 97.2 x 130.2 cm.
Localización: Metropolitan Museum of Art. Nueva York
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Calle Mosnier con Banderas (1878)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 65.4 x 80.7 cm.
Localización: The J. Paul Getty Trust. Los Angeles
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El bar del Folies Bergere (1882)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 96 x 130 cm.
Localización: Courtauld Institute Galleries. Londres
Es el movimiento que marcó toda la pintura del siglo XIX: preocupación por la luz, ya que puede determinar la percepción de la apariencia visual: la realidad no es tangible sino que solo es percepción para la mirada desde condiciones físicas muy variables.
Se caracteriza por el violento contraste de la luz con las zonas de sombra, que eran manchas de color yuxtapuestas y sin gradaciones donde no recurrían a correcciones. La importancia de la luz creaba la perspectiva, característica propia de los impresionistas.
Todo inició con la exposición colectiva de 1874 donde participaban: Claude Monet, Camille Pissarro, Alfred Sisley, Auguste Renior y Edgar Degas. Sus obras iban muy en contra de lo que se veían siempre en las pinturas lo que evidentemente irritó a los críticos en especial a Louis Leroy, que sarcásticamente dijo: “El papel pintado en su estado embrionario está más acabado”. Estos artistas siguiendo sus ideas y su lucha por conseguir naturalismo en el arte colocaron como protagonista de sus obras: la luz y sus efectos cambiantes. Pintaban al aire libre, paisajes, vistas urbanas, bailes populares, vistas fluviales y la necesidad de captar lo inmediato, los efectos de luz y atmosféricos los llevó a usar una técnica de ejecución rápida: pinceladas sueltas y vigorosas, algunas veces cargadas de pasta y otros diluidos en óleo. La gama cromática son más suaves, obviamente luminosas y sombras de color, ya no oscuras, los tonos complementarios y así desaparecen los contrastes de claroscuros, la primacía del dibujo y línea.
Renoir, con Le Moulin de la Galette
En el segundo imperio aparecen nuevas tendencias arquitectónicas en Francia que tratan de rescatar algunas formas clásicas junto a la estética medieval. Decaen un poco las ideas neoclásicas y toman más interés por lo gótico. En esta época se crean grandes reformas urbanas en París. Uno de los principales arquitectos fue Georges Eugéne Haussmann.
Se usó estructuras de hierro acristaladas como en el museo de ciencias naturales de Oxford y el palacio de cristal de Londres. Aparecen talentos en la ornamentación y en la estética como en la obra de Charles Garnier, el Teatro de Ópera de París.
Francia
Charles Garnier (1825 – 1868) – Fue el máximo exponente de la burguesía Francesa. Junta lo fantasioso y lo opulento.
Eugéne Enmanuel Viollet-le-Duc (1814 – 1879) Uno de los más importantes arquitectos del pasado siglo XX. Fue un restaurador de monumentos, como el del famoso Notre-Dame de París y la catedral de Reims.
Franz Christian Gau - Construyó la iglesia de Santa Clotilde con un estilo medieval.
Paul Abadie – Construyó el Ayuntamiento de Angulema.
La ópera
Edificado por Charles Garnier
Inglaterra
Charles Barry (1795 – 1860) – Construye el Parlamento de Londres con un estilo gótico, que fue conocido como neogótico.
George Edmond Street – Palacio de Justicia.
George Gilgert Scott
Alfred Waterhouse
El parlamento de Westminster
Edificado por Charles Barry y Augustus Pugin
España
Matías Laviña – Restauración de la catedral de León
Narciso Pascual y Colomer (1808 – 1870) – Congreso de los diputados, palacio del marqués de Salamanca.
Emilio Rodríguez Ayuso (1845 – 1891) Construyó diversas plazas de toros.
Lorenzo Álvarez Capra – Virgen de la Paloma Madrid
Juan Bautista Lázaro – Restaura la Santa Cristina de Lema, San Miguel de la Escalada y la catedral de León.
Francisco de Cubas – Construye la Almudena en Madrid y la parroquia de Santa Cruz.
Joan Martorell – Hace el palacio del marqués de Comillas.
Federico Aparici – La basílica de Covadonga.
Agustín Ortiz de Villajos (1829 - 1902) – Hospital del Buen Suceso, teatros de La Comedia y María Gerrero
Eduardo Adaro – Banco de España, Banco Hispano Americano.
Enrique María de Repullés – Fachada Cóncava de la Bolsa de Madrid.
Fernando Arbós y Termanti – Basílica de la virgen de Atocha.
Luis de Aladrén – Fachada de la Diputación de Vizcaya
Joaquín Rucoba – Ayuntamiento de Bilbao
Aníbal Álvarez Bouquel
La Basílica de Covadonga
Federico Aparici
Para ver el video hacer click en el titulo
Info: Este video nos habla de las características y los temas que usaron en el romanticisto. Un dato importante que hay que recordar "el romanticismo rompe la norma neoclasica"
Estilo o Movimiento artístico que se llevo a cabo en Francia y Alemania e Inglaterra principalmente a principios del siglo XIX, era una época muy compleja durante la caída de Napoleón (1815) y mediados del siglo XIX (1840"1850), periodo de predominio romántico. Hay etapas anteriores en las que ya aparecen autores que anticipan el Romanticismo, y también autores que después siguen acentuando los valores románticos. Antes de 1810 hay una etapa que prepara el camino al romanticismo, y después de 1850 aún se mantiene en algunos ejemplos. Las manifestaciones en el movimiento romántico son principalmente el encuentro del artista con su interior y sus emociones, el artista hará lo que quiera, eligiendo lo que él sienta, y cada uno dará una solución distinta y personal con lo que aparece una multiplicidad de soluciones como son la libertad, subjetividad, individualidad la emoción abierta, dramatismo y afinidad con la naturaleza.
Info: Este video nos habla de las características y los temas que usaron en el romanticisto. Un dato importante que hay que recordar "el romanticismo rompe la norma neoclasica"
Estilo o Movimiento artístico que se llevo a cabo en Francia y Alemania e Inglaterra principalmente a principios del siglo XIX, era una época muy compleja durante la caída de Napoleón (1815) y mediados del siglo XIX (1840"1850), periodo de predominio romántico. Hay etapas anteriores en las que ya aparecen autores que anticipan el Romanticismo, y también autores que después siguen acentuando los valores románticos. Antes de 1810 hay una etapa que prepara el camino al romanticismo, y después de 1850 aún se mantiene en algunos ejemplos. Las manifestaciones en el movimiento romántico son principalmente el encuentro del artista con su interior y sus emociones, el artista hará lo que quiera, eligiendo lo que él sienta, y cada uno dará una solución distinta y personal con lo que aparece una multiplicidad de soluciones como son la libertad, subjetividad, individualidad la emoción abierta, dramatismo y afinidad con la naturaleza.
Características:
· * Transparencia
· * Luminosidad
· *Sombras
· *Claroscuros
· * Temas exóticos, paisajes,
· * Realismo
· *Quisieron representar en sus obras la Fuerza de la pasión,
· * Representaban en sus pinturas metafóricamente el horror del mundo.
· * El mundo subconsciente con una temática subconsciente
· *Una extrema fantasía en la creación de sus pinturas,
· *Denota una denuncia metáfora de la realidad
· * En sus grabados se muestran desastres naturales.
· *Pintar metafóricamente el horror del mundo.
· * En los colores se presentan las sensaciones
· *EL Tema del dibujo y los cuerpos bien formados no es predominante en este estilo, lo que más importa son las técnicas de luz, sombra, composición, y toque que le dan ciertas sensaciones.
· *El realismo de la escena como tal, pude ser producto de la imaginación y también mezcla de paisajes e imágenes se observan escenas contundentes con un sentido brutal por la escena.
·
· *Experiencia de un uso de metáforas pictóricas como por ejemplo el coloso obra de 1808.
REPRESENTANTES
· Francisco de Goya
*Joseph Mallord William Turner
· Federico de Madrazo
· Mariano Fortuny
· Genaro Pérez Villaamil
· Manuel Barrón y Carrillo
· Théodore Géricault
· Eugène Delacroix
· Escultura romántica: Carpeaux
*Albert Bierstadt (1830–1902)
Es interesante notar que el romanticismo frances, como corriente artística, tuvo su mayor fuerza no en la pintura, sino en la literatura, siendo tan importante a nivel histórico de que nos lego nombres tales como los de Alejandro Dumas padre, Alejandro Dumas hijo y Victor Hugo, cuyas obras son conocidas al grado de que algunas se han vuelto parte famosa de la cultura popular de nuestros tiempos.
En efecto, Los Tres Mosqueteros y El Conde de Montecristo asi como Los Miserables y Nuestra Señora de Paris (comunmente llamada El Jorobado de Notre Dame) han sido interpretadas en teatro, llevadas al cine (film de Disney incluido) y en general usados para representar alguna situacion, a veces con meros fines cómicos.
En Los Tres Mosqueteros vemos lso usos e intrigas de la Francias del Antiguo Régimen, la figura centrada en las intrigas de la corte francesa y la guardia real, en el conde de Montecristo presenciamos los afanes y sin sabores de los afectados por las revoluciones que vinieron a estremecer a Francia y en los Miserables vemos esta época todavia mas de cerca y de un modo crudo, al tiempo que la obra reflexiona sobre la pena máxima, representada y reconocida universalmente en forma de la guillotina. Finalmente Nuestra Señora de París es un retorno a las épocas finales del Medioevo, justo en el momento en el que este daba paso a la edad moderna.
Curiosamente estas novelas han tenido un contenido político y una fuerte crítica social que muchas veces se ha obviado o simplemente ignorado, tambien se ha dejado de lado el valor del conocimiento histórico del mismo, algo resaltante tanto en Los Tres Mosqueteros como en Nuestra Señora de Paris. Las obras muchas veces vienen a recordar tiempos pasados, sobre todo aquellas épocas en las que la leyenda, la tradición y el mito venian a mesclarse con la realidad.
Estas características hace que el romanticismo de estas obras resalte, al tiempo que denota uno de los que son los puntos mas fuertes de esta corriente, la del uso de la literatura para mirar y denegar el cinismo intelectual resultante de la frustracion de no ver la Razón traer el paraiso prometido sino mas antes minar la realidad desestructurandola y acabando con la visión de un mundo justificado.
Y es precisamente contra lo que algunos filosofos llaman "la fria luz de la razón" contra la que los romanticos se levantan, buscando en sus creaciones literarias revivir la supuesta gloria implicita de épocas pasadas, tiempos donde los seres humanos eran miserables, pero hallaban esta justificada en el funcionamiento del mundo.
En efecto, Los Tres Mosqueteros y El Conde de Montecristo asi como Los Miserables y Nuestra Señora de Paris (comunmente llamada El Jorobado de Notre Dame) han sido interpretadas en teatro, llevadas al cine (film de Disney incluido) y en general usados para representar alguna situacion, a veces con meros fines cómicos.
En Los Tres Mosqueteros vemos lso usos e intrigas de la Francias del Antiguo Régimen, la figura centrada en las intrigas de la corte francesa y la guardia real, en el conde de Montecristo presenciamos los afanes y sin sabores de los afectados por las revoluciones que vinieron a estremecer a Francia y en los Miserables vemos esta época todavia mas de cerca y de un modo crudo, al tiempo que la obra reflexiona sobre la pena máxima, representada y reconocida universalmente en forma de la guillotina. Finalmente Nuestra Señora de París es un retorno a las épocas finales del Medioevo, justo en el momento en el que este daba paso a la edad moderna.
Curiosamente estas novelas han tenido un contenido político y una fuerte crítica social que muchas veces se ha obviado o simplemente ignorado, tambien se ha dejado de lado el valor del conocimiento histórico del mismo, algo resaltante tanto en Los Tres Mosqueteros como en Nuestra Señora de Paris. Las obras muchas veces vienen a recordar tiempos pasados, sobre todo aquellas épocas en las que la leyenda, la tradición y el mito venian a mesclarse con la realidad.
Estas características hace que el romanticismo de estas obras resalte, al tiempo que denota uno de los que son los puntos mas fuertes de esta corriente, la del uso de la literatura para mirar y denegar el cinismo intelectual resultante de la frustracion de no ver la Razón traer el paraiso prometido sino mas antes minar la realidad desestructurandola y acabando con la visión de un mundo justificado.
Y es precisamente contra lo que algunos filosofos llaman "la fria luz de la razón" contra la que los romanticos se levantan, buscando en sus creaciones literarias revivir la supuesta gloria implicita de épocas pasadas, tiempos donde los seres humanos eran miserables, pero hallaban esta justificada en el funcionamiento del mundo.
Monumento a Alejandro Dumas
no te olvides! ......para ver el vídeo haz click en el titulo (aquí arriba)
SUPER INTERESANTE Y DIVERTIDO!
Encontré este vídeo musical de un grupo francés llamado HOLD YOUR HORSES, estaba buscando pinturas del estilo puntillismo y me salio un blog de un artista que en la primera parte de su blog aparecía una imagen de un cuadro que vi en clase, se me hacia bastante conocido solo que había una pequeña diferencia estaba un tipo con una guitarra, así que le di click y vi el video, es super creativo, y ademas salen casi todas las obras que hemos visto en este ciclo, todo musical, hecho por este grupo. SE NOTA QUE SE DIVIRTIERON!
Algunos de los cuadros que se aprecian en el video son:
ESTILO ROMANTICO
*La libertad guiando al pueblo (1830) de Eugene Delacroix
ESTILO BARROCO
* El Nacimiento de Venus, (1485 circa) dec Sandro Botticelli
ESTILO REALISTA
*La Olimpia 1863 de Manet
ESTILO SURREALISTA
*El Grito de Munch
*El hijo del Hombre (1964) de René Magritte
espero que disfruten el vídeo y que reconozcan los cuadros!!!!!
xiaooo!!!
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Algunos de los cuadros que se aprecian en el video son:
ESTILO ROMANTICO
*La libertad guiando al pueblo (1830) de Eugene Delacroix
ESTILO BARROCO
* Lección de anatomía del doctor Tulp de Rembrandt
*Las meninas de diego velzquez
* Salomé con la cabeza del bautista. de Caravaggio
ESTILO RENACENTISTA
* La Monalisa de Leonardo Da Vinci
* La Última cena de Leonardo Da Vinci
ESTILO NEOCLASICISTA
*El asesinato de Marat (1793) de David, Jacques-Louis ESTILO REALISTA
*La Olimpia 1863 de Manet
ESTILO SURREALISTA
*El Grito de Munch
*El hijo del Hombre (1964) de René Magritte
espero que disfruten el vídeo y que reconozcan los cuadros!!!!!
xiaooo!!!
Esta litografía antigua reproduce el retrato de bertel (1814) fue pintado por su amigo y colega CW Eckersberg, en Italia. Nos muestra al artista sentado con elegancia, con las manos cruzadas sobre las rodillas, delante de un friso clásico.
Artista danés conocido como el más célebre neoclásico, nacido en Copenhague, Dinamarca, heredo la creatividad y las manos de artista de su padre que era escultor en madera, estudio cinco años en la academia Real de Copenhague, ganó varios premios durante sus estudios, incluida la prestigiosa Medalla de Oro. Como parte de este premio se le concedió un estipendio para estudiar en Roma (1797) donde pasó la mayor parte de su vida artística trabajando en aquella época roma era la cuna del arte neoclásico por ello, Bertel se identifico tanto con roma que coloco la fecha de su llegada como segunda fecha de nacimiento.
Fue el primer artista danés en alcanzar el éxito internacional. Él era prominente en los círculos intelectuales y artísticos e influyó a muchos artistas emergentes de los Estados Unidos y Europa. Legó la mayor parte de su fortuna a su propio museo y las instrucciones de la izquierda para todas sus obras de arte para ser donado al museo. Todos los modelos para sus esculturas y una gran colección de obras de otros artistas contemporáneos fueron incluidos en la dotación.
Es considerado el sucesor indiscutible de Antonio Canova según algunos, pero la diferencia está en que Bertel fue más reservado de acuerdo con la clásica escultura griega.
Las poses y expresiones de sus figuras son más formales y rígidas que las de Canova.* Y dónde Canova trata la superficie de sus estatuas con sensibilidad, Thorvaldsen es más lógico y preciso. Thorvaldsen era consciente de que su estilo no era "moderna" para su época, pero él no estaba avergonzado. Cuando se le llegó a Roma, en 1797 dijo: "Yo nací en el 08 de marzo 1797, antes de eso yo no existía." Roma era su nuevo hogar, donde fue capaz de copiar con rapidez y absorber el espíritu de la antigua estatuas. Su admiración principal residía en helenístico tardía o copias romanas del arte griego.
Características de sus esculturas:
Muchos de los trabajos escultóricos de Thorvaldsen fueron nuevas interpretaciones de las figuras o temas que fueron populares en la antigüedad clásica Como por ejemplo, la estatua de Jasón con el Toisón de oro (1803), inspirada en el Doríforo de Policleto, le reporto mucha fama, recibió muchos encargos de los principales comitentes de la época que lo obligo a necesitar ayudantes. Se dedico a la estatuaria, el busto, el relieve y la escultura monumental, siempre con el deseo de revivir la grandeza de la escultura griega
Sus figuras eran más basada en los principios clásicos de estudio de la naturaleza con un estilo abstracto, en un ideal de la belleza desvinculado de la realidad que dio origen a un idealismo artístico de considerable influencia, orientado a los artistas clásicos griegos. Una característica central de la escultura neoclásica es el contorno o silueta de una escultura. "Espiritual" La forma del arte es creado a través de la claridad del contorno.
Pero también él creaba imágenes de importantes personalidades, como en su estatua de Papa Pio VII]]. Sus obras pueden ser vistas en muchos países de europa.
Obras predominantes:
· El León de Lucerna (1819-1821, Lucerna)
Escultura en conmemoración a los 600 guardias suizos que murieron defendiendo las Tullerías durante la Revolución Francesa. Se trata de una estatua de piedra de un león moribundo, atravesado en símbolos rotos de la monarquía francesa. Thorvaldsen creó el diseño para el león, pero un escultor local, Lukas Ahorn, fue quien tallo la roca.
· Ganímedes Aguas Zeus como un águila (1817, Museo Thorvaldsen)
Estatua de mármol de una figura que ofrece una copa a un águila. Diseñado desde un solo punto de vista, la escultura es, básicamente, se mantienen unidos por sus dimensiones línea de vista-uno. Esto le da a la escultura un alivio-como aspecto casi suprema y muestra el dominio de la línea de Thorvaldsen, que había practicado a la perfección en numerosos bajorrelieves de la época.
· Alejandro Babilonia Gran Entrada: friso de Alejandro magno introducción de babilonia (1812, Palazzo del Quirinale, Roma) fue modelado en tres meses, en previsión de la llegada de Napoleón, esta estatua se basó en las formas héroe clásico.
· Estatua de mármol de Hebe(1806, Museo Thorvaldsen, Copenhague), se basó en la historia antigua de Hebe, hija de Zeus y Hera. Hebe es la diosa de la juventud y la primavera, y ofrece la copa de la inmortalidad. Ella bien podría haber pertenecido a un templo romano.
· Cristo y los Doce Apóstoles: serie a gran escala de las estatuas de cristo y los doce apostoles de la Catedral de Copenhague (el Vor Frue Kirke ), junto con un Ángel del Bautismo, relieves diversos, y un frontón en la entrada en terracota llamado Predicación de Juan el Bautista se termino en 1838.En los últimos años la Iglesia de Jesucristo de los Días Santos de los Últimos encargó una réplica de la Manzana del Templo en Salt Lake City, y John Hopkins Hospital en Baltimore también contiene una copia completa escala de la estatua.
· Hylas secuestrados por las ninfas (1831, Museo Thorvaldsen)
·
Estatua de mármol de Mercurio preparando para matar Argos (1818, Museo Thorvaldsen)
Estatua de mármol de Mercurio preparando para matar Argos (1818, Museo Thorvaldsen)
· Monumento de mármol de Pío VIII (1853-1866, San Pedro, Roma)
· Estatua de mármol de Pastor (1817-1826 , City Art Gallery, Manchester)
· Estatua de Byron (1831, Biblioteca Wren, el Trinity College, Cambridge)
· Las Tres Gracias con Cupido (1817-1818, Museo Thorvaldsen).
· También produjo dos estatuas históricas de Polonia, incluyendo una estatua ecuestre del príncipe Józef Poniatowski , que ahora está frente al Palacio Presidencial, y está sentado Nicolás Copérnico , que se encuentra antes de la Academia Polaca de Ciencias de la Construcción-ambos situados en la Krakowskie Przedmiescie Varsovia.
· Copia en bronce del Thorvaldsen Autorretrato se puede encontrar en el Central Park, Nueva York, cerca de la entrada de la calle 97 Oriente.
Nicolás Copérnico
En su honor se construyo un museo en Copenhague en Dinamarca- 1839, donde están sus obras artísticas y esculturas, así mismo es un bello ejemplo de arquitectura neo-anticuarios. En el patio se encuentra la tumba de Thorvaldsen, donde está enterrado bajo un lecho de rosas que fue su petición especial.
