Contexto Histórico
Aproximadamente se da entre 1600 y 1750; época en la cual Europa atravesaba un momento político muy difícil como la afirmación de las nacionalidades, la separación de los países Bajos en la calvinista Holanda y la católica Flandes, algunos monarcas tomaron poder absoluto frente a las fórmulas parlamentarias holandesas, debido a la influencia de la iglesia Católica se dieron movimientos revolucionarios originándose una nueva ciencia y una religión propio del catolicismo: la Reforma protestante; y al mismo tiempo era enfrentado por la Contrarreforma Católica, similarmente las potencias europeas iniciaban el proceso de creación de los imperios coloniales que les daría el dominio del mundo durante cientos de años.
Reforma protestante
Arte Barroco
Caracterizado por la diversidad y riqueza en el panorama artístico a razón de la evolución artística y los críticos momentos que atravesaba a sociedad y política de las naciones europeas; ya sea en literatura, escritura, arquitectura, pintura, danza y música.
Proviene de la palabra portuguesa “barroco” que significa “perla de forma irregular” o “joya falsa” asignada por los seguidores de este movimiento posteriormente, para marcar la teatralidad, ilusionismo, artificio, la primacía de la sensación sobre la razón, la realidad; en sí, un arte donde la importancia se encontraba en a verosimilitud por encima de la realidad.
Nació entonces la creación de un clima piadoso y la reafirmación de los dogmas cuestionados por la Reforma, la Virgen, los santos, las grandes decoraciones sobre el triunfo de la fe católica tomando un dinamismo, sensualidad y un rico cromatismo para conmover los corazones de los fieles. Con esta difusión el movimiento artístico se convirtió en expresión del gusto burgués por la realidad cotidiana y en las cortes de las monarquías absolutas, en instrumento de persuasión y deslumbramiento. Por tanto se da la división entre el barroco de la burguesía protestante y el barroco de la Iglesia triunfal y de la Corte.
Iglesia de Sant’ Andrea al Quirimale de Roma obra de Bermini.
Características generales de la pintura
La principal cualidad de la pintura barroca es la realidad, el interés de representar al hombre y a la naturaleza tal como es, rompiendo con la tendencia previa vista en el renacimiento de buscar poses épicas y sobrehumanas.
El barroco busca la profundización psicológica y emocional a la hora de representar a un individuo o una historia.
A una percepción más perfecta del espacio en profundidad, todo lo cual requería una observación directa previa.
Hegemonía de la luz, se empleo de diferentes maneras, siendo una luz natural, real, correspondiente a un momento y lugar geográfico concreto.
LA PINTURA EN ITALIA
Michelangelo Merisi da Caravaggio, Cena en Emaus,
1606, Pinacoteca Brera, Milan (Italia).
Michelangelo introdujo una profunda revolución en la pintura, se inserta en lo popular y en lo real. Plasma la realidad en toda idealización, también en temas religiosos.
Sus personajes se inspiran en sus contemporáneos, rechazando los ideales clásicos para acentuar el realismo, coloca a los personajes en el primer plano bajo una luz fuerte dejando entre sombras a los elementos esenciales. Cuida el repertorio de horizontales y verticales.
Técnicamente lo que hace con la luz se determina como Tenebrismo, donde la luz no solo ilumina sino que configura, y aporta gran dramatismo a la escena representada.
Michelangelo Merisi da Caravaggio,La muerte de la Virgen,
1605-1606, Paris (Francia).
Esta obra llama la atención por la composición. Se estructura a partir del rayo de luz que sale del ángulo superior izquierdo. Atraviesa en diagonal toda la tela e ilumina las cabezas de los apóstoles hasta llegar al cuerpo tendido de la virgen.
La cortina le da un sentido más dramático ya que recuerda al telón de un teatro.
Juega abiertamente con el claroscuro, es decir, el contraste de luces y de sombras que ilumina bruscamente lo que el artista desea y sume en la oscuridad lo que considera menos importante.
En el ámbito italiano también tiene importancia el clasicismo, pretende la búsqueda de una belleza ideal.
Por último, hay que destacar lo que se conoce como Barroco decorativo o de movimiento, es decir la decoración de bóvedas y muros. Se ponen de manifiesto el ilusionismo y la artificiosidad para conmover al espectador.
LA PINTURA EN FRANCIA
Representa a un barroco moderado o clasicista. Se inicia con temas de genero y religioso bajo un naturalismo, como fondos neutrales y una marcada iluminación que llega desde fuera de la composición. Luego evoluciona hasta llegar a concebir sus figuras reducidas a sus volúmenes simples, lo que lo aleja del naturalismo inicial, sobre ella experimenta los efectos claroscuristas. Hace desaparecer todo lo desagradable de la narración.
Lo que más destaca es el clasicismo.
Nicolas Poussin, Et in Arcadia ego o Los Pastores de Arcadia,
1640-1650, Paris (Francia).
Lo más significativo de estas obras son los paisajes históricos, modalidad del paisaje clásico que recoge con gran sensibilidad los escenarios naturales.
Unen la observación con la idealización, en los que se interesa por la belleza de la luz. Tienen una línea del horizonte bastante baja y recreando fundamentalmente los momentos del amanecer y del atardecer.
Nicolas Poussini, las cuatro estaciones(El Verano),
1660-1664, Museo del Louvre, Paris (Francia).
LA PINTURA EN HOLANDA
En Holanda la gran parte se define por su amplio imperio ultramarino. Su situación religiosa, donde triunfa el calvinismo, suscita en la sociedad una conciencia más ambiciosa, así desaparece el tema religioso.
El pintor Holandés le dará más atención a la historia de lo cotidiano, dominan el color y emplean técnicas en olio, que permite el desarrollo del detallismo.
Rembrandt Harmenszoon van Rijin,
La lección de anatomía del Dr. Nicholaes Tulp.
1632, La Haya( Pises Bajos).
Le da a todos los retratos las mismas dimensiones, por lo que los sitúa de manera piramidal. Esta lección se basa en un hecho real. En este cuadro, la luz que es irreal y artificiosa, procede de arriba y acentúa el contraste de la frialdad del cuerpo desnudo y la calidez de los rostros de los asistentes de la clase.
El claroscuro del pintor holandés, a diferencia del de Francia es que crea contornos nítidos de las figuras a partir de las partes iluminadas y las sombreadas. Utiliza el claroscuro para darle un significado tanto visual como espiritual.
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